什么是角色动画?就是让一张张的图片中了魔法一样动了起来!!表现的内容也
千奇百怪, 可以是扫把走路,老鼠说话,也可以是跳舞的虫子,甚至是会飞的玩具.可制作过程却是非常艰苦的,得花时间来从策划,绘制,到校订,其间还有不断的调试测试,过程非常艰苦,但却是一项非常有成就感的艺术创作.
随着计算机技术的突飞猛进,越来越多的人从事创作高质量的CG角色动画这项事业.然而,高质量却不是那么容易达到的.很多顶级的动画师都花了几年甚至更长时间来磨练他们的技术.因结合了计算机和艺术两方面知识,动画也许是最难掌握的一种.
作为动画师,不但要掌握绘画或者速写的技术,还要有时间感,洞察力,表现力,和对物体运动规律的理解.此外,角色动画师同时也要是个演员,具有赋予一件事物生命活力的能力.通过这些不同领域知识的融合,动画师仿佛具有了魔力,让角色活灵活现,具有了生命力.
每条法则都会做定义，同时也会做些解释说明，外加一个动画范例配合讲解。其目的不仅是为了定义这些法则是什么，还要讲清楚这些法则是怎么应用的，在哪里运用。同时每个人都可以在真实的场景中运用这些法则。但无论怎样，这些文字都还只是起着引导作用，道理还是需要你们自己去学，去实践，去理解。通过综合运用，可以做出很真实，很有趣味的角色动画。 我期待我写的这些文字能对读者们有所帮助，如果你们有任何的意见或者建议，可以发EMAIL给我：comet@comet-cartoons.com 我本人其实也是在学习掌握这门艺术，同大家一样对真正的动画大师也是非常敬仰的。
Timing 节奏 有些人会觉得把timing（节奏）放在法则列表里似乎很愚蠢，因为这个对动画
制作来说实在是太基本了。显而易见，“节奏”是动画的基本要素。物体运动的速度说明了物体物理本质，和运动的成因。仅仅是“眨眼”的动作就可或快或慢。如果眨的快，角色看上去就处在“警觉或者醒着”的状态，如果眨得慢，角色就会显得比较慵懒，疲惫，昏昏欲睡。
John Lasseter在他的那篇著名的Siggraph论文里使用了一个关于头部从左向右的转动的范例。虽然是同一个转头的动作，但他按照不同的时间节奏做出来，却表现出不同的意思，而本质上他仅仅是改动了运动的timing“节奏”而已。如果头从后往前转的很慢的话，角色看上去只是在活动颈部而已。加快一点速度，看上去就象是在说：NO! 再快点，角色看上去就很象被物体砸到头部一样。
对于好的动画来讲，好的“节奏”感非常重要，非常基本。动作的卡通风格一般要求物体从一个pose(姿势)到另外一个pose的变换很灵活简洁。写实风格的则要求在pose之间细节上要有变化。但是无论哪种风格，都要注意每一个动作的timing节奏问题。
记得Chuck Jones曾经说过：“好的timing节奏和差强人意的timing节奏之间的差别就有如“光”和发光的萤火虫之间本质的差别”。
Ease In and Out (or Slow In and Out) 渐进和渐出（或慢进慢出） 渐进和渐出的规律通常是运用在物体pose的加速或减速变化过程中。一个当物
体接近某个POSE时，通常是减速变化的（称之为渐进或慢进）；相反地当它从一个POSE开始向另外一个POSE变化时，应该是加速的（称之为渐出或慢出）。
比方说，一个弹跳的小球凡是在它达到顶点的时候都会有渐进和渐出。当它起跳时，受重力影响速度应该越来越小(即渐进)。当它向下运动的时候应该逐渐的加速(渐出)，直到它触地为止。
需要注意的是这里“通常“并不意味着速度慢。真正的意思是物体运动不必本来是全速前进但只是用一帧就嘎然而止，这是不行的。卡通类型的动作里你只要2帧来做这个渐变过程就可以，但如果是用3帧来做，看上去就会比机械的僵硬的动作好很多。
对于角色动画，你总是要在运动中加入渐进或渐出的处理。即便角色只是旋转了一下头部，你也可能需要在动作的起始和结束的地方加一些帧使之更平滑些。 在现实生活中，所有的运动都是有弧线的。当做动画的时候你应该让动作沿着曲线运动而不是线性的直线。很少有角色或者角色身上某个部位的运动是直来直去的。甚至当你整个身体在行走过程中也不是呈一条直线运动的。当手或者胳膊伸出去触摸物体时，都是按照曲线来运动的。 还是拿头部运动来做范例，头部象扇子一样呈弧线旋转运动。也就是当头部从左象右转动时，在中间位置头部应该根据他视线看的方向加一点低头或者抬头的动作，而不是纯线性的旋转或者机械式的动作。
Anticipation 动作预备
角色的动作一般分为三个阶段：运动的准备阶段，动作实施阶段，和动作跟随阶
段。第一个个阶段就是所说的动作预备。
有些情况动作预备是根据物理运动规律需要这样做。比如说在你投掷一个球之前必然要先向后弯曲你的手臂获得足够的势能。这个向后的动作就是预备动作，投掷就是动作本身。
动作预备一般用来引导观众的视线趋向即将发生的动作。所以常见的一个长时间的预备动作意味着下面的动作速度会非常快。如果你注意观察卡通片，你可能会遇到类似的情况，角色先是预备奔跑的样子，然后一溜烟地急速消失。角色在奔跑前，通常会先抬起一条腿，弯曲他的胳膊即使他马上就开跑了。这就是常见的动作预备。 总之，一个好的动画应该让观众明白什么是将要发生的（动作预备），什么是正在发生的（动作本身），和已经发生的（类似于动作跟随）。
角色身体的绝大多数运动都需要某种形式的动作预备阶段。特别是从静到动的运动状态的转变。比方说，在角色开始走的时候，他们肯定要先转移自身的中心到一条腿上，这样他们才能抬起另外一条腿。
Exaggeration 夸张
动作上的夸张处理一般用来强调动作的突然性。这个原则应该根据实际需要适当
的运用，不能随便使用，否则会适得其反。制作者应该首先清楚动作的目的性，剧情需要是什么，以及决定哪个阶段需要动作上的夸张处理。适当的夸张会让动画看起来更可信更有趣。
角色的动作过程是可以夸张的，譬如可以让胳膊摆动过程中抖动的很厉害。某一个POSE也可以夸张，比如让角色比正常情况下倾斜很多。在制作对话过程中，动画师要仔细辨认出音轨里重音强调的地方，然后据此配合一些夸张的动作或者运动来
强调这些部分。
做好“夸张”的处理关键要让被夸张的部分发挥到极致，赋予它们活力，但要适度，否则会让人觉得很假。 注意：
在很多情况下，正常的动作状态也是必要的。 正常状态下的动作夹杂着一些适当的夸张，是优秀动画必不可少的出彩的部分。上面的第一个例子可以看出角色已经有些愤怒了，看上去角色是发狂了，但在努力的控制情绪，你不清楚他将要什么时候爆发，动作上只是在躯干上做了些弯曲。第二个例子里则夸张的多，根据上下镜头动作的特点决定使用多大的夸张程度，特别是动作类型是不是卡通风格的。
Squash and Stretch 挤压和拉伸 挤压和拉伸是用来表现物体的弹性的。比如一个橡皮球弹跳后落到地面时身体会
被压扁。这就时挤压的体现。当小球弹跳起来后它要在它弹跳的方向上拉伸变形。在没有条件做motion blur 运动模糊处理的情况下，有时动作可能会看上去比较糟糕，可以用挤压和拉伸变形来补偿。即便做了motion blur ，我们同样需要做挤压拉伸。
关于挤压和拉伸比较重要的一点是无论物体本身怎样形变，它的体积、容积至少要保持不便。也就是说如果它的高度压扁到比平时水平低2倍，那么它的宽度也应该相应的扩大2倍来保证体积不变。如果一个角色或者角色身上的某个部分在变形中不能保持其体积，看上去就会很假。
角色动画中动作很大程度上是靠肌肉形变来表现的。肌肉收缩就是挤压，肌肉舒展就是拉伸。当然并不是角色身上所有的组织都是按照这个规律变化的。比如说，骨骼和眼球并不会随着周围很多肌肉组织的形变而变形
但大部分人都不是简单的改变角色的缩放比例来实现挤压拉伸效果。真正的挤压和拉伸应该是角色身上各部分都有变化互相配合的结果，而不是简单的缩放比例。这样想要做出象手绘POSE的那样的完美挤压拉伸效果无形中增加了很多的难度。 刚性物体一般是按同一方式挤压拉伸的（有别于有机物体）。想象一下Luxo Jr.动画里的台灯。这些台灯本身是刚性的金属物体。当它们准备弹跳的时候，它们首先要作出弯曲的预备动作。这个弯曲就是挤压拉伸的最基本的形式。
Secondary Action 次要动作 次要动作是用来增加动画的趣味性和真实性，丰富动作的细节的。它要控制好度，
既要能被察觉，又不能超过了主要动作。一个比较好的例子是一个角色坐在桌子旁边，一边表演着什么，一边手指还在敲打着桌子。后者并不是角色的主体动作，也许角色正在一边比划着什么，我们的视线焦点也是在角色的脸上。但重要的是我们应该赋予角色更真实更准确自然的表演，所以我们增加了手指敲打桌子的细节，也就是“次要动作”。
正如前述，次要动作不能超过主体动作的幅度。是一些很细微，轻易不容易被察觉到的动作，但是却很重要，很必要。
Follow Through and Overlapping Action 动作惯性跟随和动作重叠 动作惯性跟随和动作预备类似，只是前者在动作结束前出现，而后者出现在动作
发生前。经常在动画中见到这样的情况，物体或者其中一部分的运动或表演动作已经超过了它应该停止的位置，然后折回来返回到那个位置。这就是动作惯性跟随
比如说做投掷的动作，你首先要把你的手向后摆，这是动作预备。是为了将来做投掷的动作做准备。然后投球出去后胳膊因为惯性没有停下来而是继续向前摆，所谓的动作惯性跟随就是发生在这个时刻，胳膊没有停在本应该停止的位置上而是靠惯性继续摆动一段时间然后反方向摆回来。
动作重叠本质上是因为其他动作的连带性而产生的跟随动作，而且时间上动作间有互相重叠部分。比方说，如果一只奔跑的小狗突然停下来，她的耳朵可能仍然继续向前因为惯性运动着。另外一个例子，如果alian(范例中虫子角色的名字)在行走着，头上顶着的触角会随着身体的摆动而摇摆不停。这就是所谓的动作重叠，即因为主体动作的连带性而产生的动作，同时叠加在主体动作上的动作。
Straight Ahead Action and Pose-To-Pose Action 一气呵成制作动画和按关键帧做动画 有两种基本的制作动画的方法：一气呵成式的制作方法和按分解姿势做动画方
法。前者要求动画师逐帧都要把所有的物体或者角色的姿势和细节摆好或者画出来。比方说动画师完整的画好了第一帧的动画，然后画第二帧，依次类推知道整个序列都画完。按这种方式制作的话，动画师要完整的制作好每一帧的动画，包括其中的细节，这也许可以更具创造性，同样对动画师的要求也非常高，很难一次性正确的处理好时间和动作的连贯性。
另外一种方法是“按关键帧动画制作法”也就是一种姿势到另外一种姿势制作。此法是首先制作关键帧的动画，然后再画出中间帧部分。这也是计算机动画所采用的基本原理。这种方式方便了动画的timing节奏的调整也可以先做动作然后再调整动作的timing问题。动画师先做好关键帧动画，然后由此再制作出其他帧。有时某些动作一定要在特定的时间或者位置出现，这样关键帧动画制作就很方便了。作为计算机动画师的你肯定对此理解的很熟悉。
Staging 动作表现力 所谓staging就是要清晰的表现动作的意图使之容易理解。一般的，动作一次性
呈现给观众的，但如果同时太多东西展示给观众的话，观众就不知道该把注意力放到哪里了，而动作就没有达到目的。而Staging重要的检测方法是“动作剪影”。物体或者角色的动作应该富有表现力，甚至只需要通过黑白影响对比就可以表达动作意图。如果你不能通过动作剪影来理解某一个动作的意图，那这个动作的幅度就不够，或者说意图就不够明显，可以考虑修改它了。
对于角色动画，很重要的一点就是要确认角色所做的每一个动作强度是否足够清晰的传达出所要表现的动作意图，从而观众是否能从中领会得到。而且动画师也要避免同一角色得表演里由互相矛盾的地方。譬如如果你想表现一个人很沮丧很悲伤的状况，可以设计角色做出弓着背，双手垂在身体两侧前方，镜头采用俯视的角度等等。。。但如果你同时让角色脸上出现灿烂的笑容就完全不符合其他动作所表现的意图了，会很矛盾。彼此应该配合好。
Appeal 动作精彩程度 精彩的动作意味动作应该是能够吸引观众的。具体表现在动作的魅力，花样设计，
简洁性，和观众交互程度等。综合运用其他动画制作规律可以有助于动画的精彩程度，比如通过设计上的夸张，避免平庸迟缓的动作，适当使用动作叠加处理等等。
动画师应该尽量避免平庸无趣的动作设计，包括姿势和运动形态。 需要更正的是动作的精彩程度不是决定动画的好坏唯一标准。比方说，迪斯尼的经典动画“Peter Pan”『彼得.潘』，Hook船长是个的角色，但绝大多数人对这个角色本身的印象都很深刻，说明他的角色设计就非常有吸引力。 “A bug’s life”里的Hooper角色也同样非常突出，尽管这个角色比较卑鄙和令人讨厌，但他的动作设计以及表现出来的角色性格特点不得不说非常精彩。
Personality 角色个性 这条标准在动画制作中没有具体的操作方法，而是通过其他动画制作法则共同运
用中体现出来的角色的个性魅力，它对一个动画是否成功起着关键作用。其真谛是要让动画中的角色象活在真实世界里一样鲜货，触手可及。同一个角色在不同情绪状态下做出的动作应该是不同的。不应该有动作完全一样的角色。此外，让角色富有个性彼此不同，而角色对观众来说又是非常的熟悉，这是非常重要的。
根据角色的思维不同，决定了角色动作上的个性十足。同样道理角色的言谈举止也是如此。如果有表演经验对做动画是非常有帮助的，在条件允许的情况下参加表演的提高培训课程对动画师来说也是很必要的。
Truly understand the Big 12 真正理解12条动画规律的实质 我把这条列为“第0条”是因为我觉得这一点是最重要的。我发现很多人只是机械
的学习这12条准则，疯狂的背诵它们而不是去真正理解其中真正的规律。然而“背诵”12条规律和“理解”它们是完全不同的事情。真正“理解”意味着你知道什么时间什么地方应用这些法则，以及如何的运作用这些规律。你没必要很完美地综合使用这些规律，因为法则并不是适用于所有的情况。我经常看到类似盲目运用的情况，譬如把本来应该形变很小的保龄球硬是做了挤压和拉伸，或者让小猫跳跃前做了夸张的预备动作（因为无论是猫的重量和体积比还是它的骨骼形状本身就已经是处在动作预备的情况下，决定了猫向前跳跃前不需要太大的弯曲身体的动作。只需要在它本身正常的身体姿势基础上作出伸展就可以了）。 如果你的导演告诉你角色应该重量感再明显点，相信我即便是这样的修改你也绝对不会轻易的从这12条里找到答案的。具体的答案根本不存在。问题的解决需要对12条动画规律有很好的理解，并且能够灵活的综合运用它们。
除了要不断的加深对12法则的理解，此外还要能够使用它们灵活的解决问题。这里我找出其中一些典型问题供大家参考。
、十二条动画经典原理
1、挤压和拉伸
•••••••••这是影响最深远的一项动画原理。在人物或对象的动作过程中，拉扯与碰撞等互动性动作都会做出压缩与伸展的表现，透过这个动作，也表现出物体的质感与量感。
•••••••••这不见得是真实的物理表现，可是一般人却期待在动画中看到这种夸张的表现，压扁拉长，尽量夸大角色身体变形的程度，来达到动作上的张力与效果（喜感，惊讶感……）。
2、预备动作
•••••••••动画中人物所表现的情绪与讯息必须即刻传达给观众，通过人类共通的肢体语言来传递，让角色的动作带给观众清楚的预期性，这个角色作出了这个预备动作，观众就能推测他接下来的行动。反之，则难以说服观众将认知投射在角色上。
•••••••••在角色的动作设计上，这是相当关键的，依赖动画师长期观察不同特性的人类情绪、动作表现来获得肢体语言的各种表现方式与经验的累积。
3、演出设计
•••••••••角色在场景中所要叙述的故事情节，都需要以清楚的表演来完成，场景或高潮的气氛与强度，带进画面中角色的位置与行动里去。一个情绪可能需要十多个小动作来表达。每一个小动作都必须清楚的表达，简单完整、干净俐落是这个原理的要求标准，太过复杂的动作在同一时间内发生，会让观众失去观赏的焦点。
4、顺画法和定点画法
•••••••••这是动画制作上相对不同的技巧，用来区分绘制动画时，需考虑的动作种类。用顺画法绘制时，一次一个动作步骤，一张一张绘制，直到整个动作结束。而定点画法则是先将各主要动作姿势画面完成后，再绘制中间动画以连接各主要姿势画面。
5、跟随动作和重叠动作
•••••••••物体在移动中各个部分并不会永远一起移动，有些部分会先行移动，其它部分随后再到，然后再和先行移动的部分重叠。
•••••••••这是我们在动画中常见的表现方式，如跑步时身体先离开画面了，屁股还留在原地，再“嗖”一声弹出去。
6、慢入和慢出
•••••••••将动作的起始与结束放慢；加快中段动作的速度。
•••••••••对于一个从静止状态开始移动的动作而言，需要以先慢后快的设定来完成。在动作结束之前，速度也要逐渐减缓，乍停一个动作会带来突兀的感觉。
7、弧形运动曲线
•••••••••动画中的动作，除了机械类的对象之外，几乎都是以圆滑的轨迹进行移动。所以在描绘中间画面的时，要注意以圆滑的曲线连接主要画面的动作，而不是以锐利的直线，以免形成不自然的感觉。
•••••••••让角色的动作沿着圆弧轨迹来进行，不要走完全的直线。反之，如果是机械性的动作，就会是僵硬的、笔直行进的，藉由轨迹上的差异，传达出不同角色的特性。
8、次要动作
•••••••••以较小的运动来为主要运动作辅助。在角色进行主要动作时，如果加上一个相关的第二动作，会使主角的主要动作变得更为真实以及具有说服力。但这个第二动作要以配合性的动作出现，不能过于或剧烈以至于影响主要动作的清晰度。
•••••••••例如以跳跃的脚步来表达快乐的感觉，同时也可以加入手部摆动的动作来加强效果……第二动作可能相当的细微，但却有画龙点睛之效，但什么是恰当的次要动作则必须透过经验的累积、对动作的观察，才能转化为属于动画师的肢体语言的风格！
9、时间控制
•••••••••运动是动画中最基本和最重要的部分，而运动最重要的是节奏与时间。
•••••••••时间控制是动作真实性的灵魂，过长或过短的动作会折损动画的真实性。除了动作的种类影响到时间的长短外，角色的个性刻画也会需要〝时间控制〞来配合表演。
10、夸张
•••••••••基本上，动画就是夸张的……动画中的人物的每一个感情与动作，必须以相对较夸大来传达才会更有真实感（说服力）。如主角进入一个快乐情绪，便让它
更为高兴，感觉悲伤时会更有悲伤的表现。
•••••••••夸张的表现方式五花八门，但意义并不完全是动作幅度大，而是经过深思熟虑后挑选的精彩动作，传递出角色动作的精髓。
11、绘画的立体感
•••••••••这是每一个动画人必须具备的技能，除了天才，得到它的唯一办法就是刻苦的练习。
12、吸引力
•••••••••当设计角色时，能够以造型或独特的姿态让观众直觉角色的属性，藉以提高观众对于角色的印象，在动画片中，一切观众想看到的东西都是有吸引力的，不单单是可爱的角色是有吸引力的，的大坏蛋也同样具有吸引力。